MARIABRIGHENTI

CASA

CASA - Gira internacional 2026 Luego de recibir el apoyo de Impulso Cultural – Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, Iberescena y la Lei Rouanet de Brasil, CASA inició durante 2026 su recorrido internacional. La obra realizó su estreno en Buenos Aires, con funciones en el Teatro Corrientes Azul, y posteriormente continuó su circulación por São Paulo, donde se presentó en el Teatro Municipal Arthur Azevedo y en el Museu da Imigração. La etapa final de su gira internacional 2026 tendrá lugar en España, con funciones en La Máquina Teatro de Valencia y en el Teatro del Ayuntamiento de Ibiza. Gira internacional 2026

• Buenos Aires, Argentina — Teatro Corrientes Azul
• São Paulo, Brasil — Teatro Municipal Arthur Azevedo
• São Paulo, Brasil — Museu da Imigração
• Valencia, España — La Máquina Teatro
• Ibiza, España — Teatro del Ayuntamiento de Ibiza

Sinopsis CASA: En un aeropuerto detenido en el tiempo, un hombre atraviesa controles burocráticos absurdos mientras intenta continuar un viaje marcado por una noticia recibida antes de partir. En ese espacio suspendido, el tránsito se vuelve un recorrido íntimo donde pasado y presente se superponen. A través del teatro, la música en vivo y un dispositivo escénico en transformación, CASA explora la migración, y se pregunta: qué significa tener un hogar. FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA CASA - Ministerio sin Fronteras Idea Original: Marian del Castillo - Abel García - María Brighenti Actuación Angélica Montilla (Venezuela/Argentina) Abel García (Venezuela/Brasil) Diego Martínez (Uruguay/España) Música en escena Diego Martínez (Uruguay/España) Dramaturgia María Brighenti (Argentina) Abel García (Venezuela/Brasil) Dirección María Brighenti (Argentina) Dirección de arte, escenografía y vestuario Marian del Castillo (Panamá/Brasil) Diseño de movimiento Claudia Biggeri (Argentina) Escontécnico Junior Eliseo (Brasil) Diseño de Luz Murilo Goes (Brasil) Juan Sebastián Molano (Colombia/Argentina) Sonoplastia y Operador de video Santiago de Cruz (Argentina) Audiovisuales Cecilia Sparks (Argentina) Videografía Chico Toledo (Brasil) Alex Duvidovich (Brasil) Gabriel Bursztyn - Pedramarrom (Brasil) Edición audiovisual Alex Duvidovich (Brasil) Cecilia Sparks (Argentina) Diseño digital y motion graphics Andrea Lopez (Argentina) Producción de campo Damaris Santos (Brasil) Ministerio sin Fronteras

JAPBON

Dramaturgia: María Brighenti y Luz Moyano Dirección: María Brighenti Actuación: Luz Moyano Realización escenográfica: Micaela Martínez Vernavá (CTBA) Ficha artística: Título: JAPBON Dramaturgia: María Brighenti y Luz Moyano Dirección: María Brighenti Actuación: Luz Moyano Realización escenográfica: Micaela Martínez Vernavá (CTBA) Duración: 30 minutos Género: Monólogo dramatúrgico teatro documental País de origen: Argentina Idioma: Español Síntesis de la obra JAPBON parte de una historia real de intento de femicidio. Una mujer recibe un disparo en la cabeza, sobrevive, pero pierde parte de su cerebro. Otra mujer: como testigo, amiga o cómplice, narra lo que acontece. Ambas son víctimas del poder: de la violencia patriarcal y de un sistema judicial que perpetúa la impunidad. La obra se construye desde esa doble mirada: quien recuerda y quien fue herida. El relato, originalmente plasmado en un libro, fue transformado en texto teatral por María Brighenti y Luz Moyano, y llevado a escena junto a Micaela Martínez Vernavá, quien desarrolló la realización escenográfica. Premisa escénica La propuesta escenográfica, desarrollada por Micaela Martínez Vernavá (CTBA), parte de una investigación sobre la materialidad de la memoria y el peso simbólico de los objetos. El monólogo transcurre en los años 90, en una lavandería de tradición oriental. Estanterías, bolsas de ropa limpia, canastos con ropa sucia, un perchero, insumos de lavado, lavarropas de policarbonato, el bolso de Franco, una radio, un contestador automático y un bonsái que la China poda cada vez que puede. El espacio muta con cada cambio de escena, pero en esencia siempre es la lavandería. Las luces construyen el tiempo y el sentido, revelando los distintos planos de realidad. Un mostrador que es camilla, una silla que se vuelve tribunal. La intérprete, interrogada y juzgada, es testigo y narradora a la vez. Notas de dirección La dirección de María Brighenti propone un lenguaje escénico depurado y simbólico, donde el cuerpo actoral sostiene múltiples voces. Cada gesto y cada objeto condensan el duelo y la resistencia. La puesta de JAPBON es una obra sobre la palabra, la herida y la reparación. El trabajo conjunto con Luz Moyano (actuación) y Micaela Martínez Vernavá (realización escenográfica) conforma un equipo creativo de mujeres que revisita un caso real desde la sensibilidad, la memoria y la potencia del teatro documental. Ficha técnica Dramaturgia: María Brighenti y Luz Moyano Dirección: María Brighenti Actuación: Luz Moyano Realización escenográfica: Micaela Martínez Vernavá (CTBA) Diseño de espacio y objetos: Micaela Martínez Vernavá y equipo Diseño de sonido e iluminación: Malumba Producción: Luz Moyano, María Brighenti, Micaela Martínez Vernavá Contexto y motivación El proyecto nace de la necesidad de visibilizar las violencias institucionales que enfrentan las mujeres al intentar acceder a la justicia, aun después de haber sobrevivido. JAPBON transforma el testimonio en un espacio escénico de reparación. El teatro se convierte en un acto de memoria colectiva y resistencia política, sostenido por un equipo íntegramente conformado por mujeres que trabajan desde la ética y la poética. Trayectoria Estreno: 2025 – Buenos Aires Festival El Tornillo CTBA Duración: 30 minutos Formato: Unipersonal con recursos sonoros y visuales Idioma: Español (opcional subtitulado en portugués / inglés) Contacto Dirección y dramaturgia: María Brighenti Actuación: Luz Moyano Realización escenográfica: Micaela Martínez Vernavá (CTBA) Diseño de sonido e iluminación: Malumba Producción: Luz Moyano, María Brighenti, Micaela Martínez Vernavá Correo: maru.brighenti@gmail.com

No tengo país, tengo gente

No tengo país, tengo gente es un retrato coral sobre la migración, el desarraigo y la reconstrucción de la identidad en cuerpos que se desplazan. A partir de entrevistas, poesía, memoria corporal y archivo íntimo, el documental sigue las voces de personas trans, artistas y activistas migrantes que habitan Buenos Aires, lejos de su tierra natal. ¿Qué queda cuando todo lo que te daba seguridad se desvanece? ¿Qué forma toma el hogar cuando el cuerpo se vuelve territorio? Entre el "tudo bom" y la "saudade", este ensayo documental explora la pertenencia más allá de la geografía, donde la memoria y la comunidad sostienen lo que se ha perdido. Con sensibilidad poética y política, No tengo país, tengo gente transforma la herida migrante en una búsqueda de pertenencia más allá del territorio.

MIGRANTES

MIGRANTES participó de la 50.ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, realizada en el Predio Ferial La Rural, como parte de la programación destinada a infancias y familias. La obra, creada por Ministerio Sin Fronteras, propone un recorrido lúdico y participativo sobre las experiencias de migración, identidad, pertenencia y encuentro entre culturas. A través del teatro, la música en vivo y la interacción con el público, invita a niñas, niños y personas adultas a reflexionar sobre los desplazamientos humanos desde una perspectiva sensible, poética y accesible. Presentada en la Sala Carlos Gorostiza del Pabellón Amarillo, MIGRANTES formó parte de las actividades culturales de la histórica edición número 50 de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, uno de los encuentros culturales más importantes de Iberoamérica, reafirmando el compromiso de la compañía con la creación de propuestas artísticas que promueven el diálogo intercultural, la memoria y los derechos humanos.

CADENA DE MONTAJE

Actúan: Adrián Tufolo Iván Eloy González Luz Moyano Nora Goldberg Audiovisuales y cámara en vivo: Cecilia Sparks Asistencia: Agustina Brighenti y Andrea Alcalde Dirección: María Brighenti Sinopsis: Cuatro performers encarnan diferentes personajes a lo largo de la intervención. Provocan al público indagándolos sobre su llegada, de diferentes maneras. Mediante acciones concretas se solicita la colaboración de algunos participantes del público para componer la escena como operarios/as. Es en esa fábrica donde comienza la escena. Detenciones, recuerdos, testimonios y relatos que encarnan estos 4 actuantes durante la intervención que con recursos audiovisuales atraviesan la memoria de estos/as trabajadores/as. Los hechos que se investigaron en estas causas no son delitos económicos, sino delitos de sangre que fueron cometidos por actores económicos. Los crímenes que se les imputan a estos empresarios y directivos de empresas son privaciones ilegales de la libertad, tormentos y homicidios, los mismos delitos por los que fueron acusados la mayoría de los militares y agentes de las fuerzas de seguridad involucrados en el terrorismo de Estado.

Ministerio sin fronteras

María es la directora de la compañía Ministerio sin Fronteras. Una compañía que desarrolla sus trabajos en Brasil y Argentina actualmente. Sus trabajos escénicos son "Depois que chegou" y "Mala" dos instalaciones performáticas. Sus trabajos pedagógicos son los Workshop de la Plástica Escénica. Mala de MSF cuenta con el apoyo de Iberescena y del Fondo Metropolitano de Buenos Aires. MALA Ficha Artística: Ideia e Realizaçao: Alicia Arteaga (Cuba), Marian del Castillo (Panamá), Abel García (Venezuela) y María Brighenti (Argentina) Performers: Abel Garcia (Venezuela vive en São Paulo) Sahara Alvarez (Venezuela vive en Buenos Aires) Angelica Montilla (Venezuela vive en Buenos Aires) Luis Alejandro Landaeta (Venezuela vive en Buenos Aires) Claudia Biggeri (Argentina vive en Buenos Aires) Karla Martinez (Venezuela vive en São Paulo) Retroproyector: Paulo Ramires (Brasil) Luis Alejandro Landaeta (Venezuela) Videografía: Irmãos Coentro: Chico Toledo y Gabriel Bursztyn (São Paulo) Cecilia Sparks (Argentina) Sonoplastia: Brian Lima (Cuba vive en São Paulo) João Pedro Feijó (São Paulo) Juli Papi (Creación Música original Argentina) Direção de Arte e Instalação: Alicia Arteaga (Cuba) Marian del Castillo (Panamá) Paulo Ramires (Brasil) Direçao: María Brighenti (Argentina) Assistência e pesquisa: Andrea Lopez (Argentina en Buenos Aires) Agustina Brighenti (Argentina en Buenos Aires) Sara Pepper (Argentina en São Paulo) Diseño de Luz: Paloma Dantas Consultoria e assessoria em trabalho com perspectiva de gênero: Andrea Alcalde (Argentina en Buenos Aires) Producción para Fondo Metropolitano e Iberescena y SP Escola de Teatro: Sandra de Vicenzi (Argentina) Colaboradores performáticos presentação Brasil: Tati Otaka (Brasil) Mariana Ferraz (Brasil) Vivian Leon (Colombia) Entrevistades para MINI DOC: Victor Valerio, Dheivy Acevedo y Manu Mireles (V

Depois que chegou

Una instalación performática - SP Brasil 2022 Ficha Técnica: Ideia e Criaçao: Minstério Sem Fronteiras: Abel Garcia, Alicia Arteaga, Marian del Castillo e Maria Brighenti Direção: Maria Brighenti Performer: Abel Garcia Direção de Arte: Alicia Arteaga e Marian del Castillo Cenografia: Paulo Cavera Sonoplastia: Natasha Hammel e Thiago Schin Iluminação: Leticia Trovijo Coreografia: Raissa Matos Vídeo: Chico Toledo Serviço: Depois que Chegou Cia Teatral Ministério Sem Fronteiras 19/05 – 20h30 – Sala R1 Indicação: Livre

LA ENTREVISTA

Instalación performática audiovisual. A través de recursos teatrales y audiovisuales, dos performers contarán el proceso de selección que atravesamos las mujeres a la hora de enfrentar el mercado laboral en el sector industrial. Desde los preparativos para la entrevista, pasando por la competencia, la brecha salarial y la discriminación por género. Durante el recorrido, se enfrentarán al suelo pegajoso, las escaleras rotas y al techo de cristal. Con recursos humorísticos invitarán a que nos cuestionemos, como sociedad, en qué momento nos encontramos en la lucha por la igualdad de géneros en el mercado laboral actual. Performers: Nora Goldberg Luz Moyano Audiovisuales: Cecilia Sparks Dirección: María Brighenti Asistencia: Andrea Alcalde

Projeto Brumadinho

O projeto “Brumadinho e suas Jóias” tem como ponto de partida os depoimentos de familiares de vítimas fatais da tragédia-crime do rompimento da barragem de Brumadinho. Esta catástrofe resultou na perda de 272 vidas humanas, deixando as famílias das vítimas com imensa dor e danos emocionais. O projeto surge em resposta a este profundo sofrimento e à necessidade de buscar justiça para as vítimas e seus familiares A magnitude da tragédia gerou um sentimento de indignação e tristeza compartilhado pela sociedade. Esta dor coletiva tornou-se uma fonte de motivação e inspiração para o projeto, levando as criadoras a utilizarem a arte e a cultura como veículos para expressar e canalizar este sofrimento. As vidas perdidas, os impactos ambientais, sociais, econômicos e culturais resultantes do rompimento da barragem representam perdas irreparáveis e danos devastadores. As comunidades afetadas por este crime catastrófico sofreram uma perda que mudou as suas vidas para sempre. O projeto busca homenagear essas vidas perdidas, bem como contribuir para a reparação imaterial da comunidade. O sofrimento vivido não pode ser esquecido ou minimizado! O projeto cultural "Brumadinho e suas Jóias" teve início em agosto de 2021, quando Flavinha Wasa, atriz e pesquisadora, acompanhou a filha Taís Marques para entrevistar cinco familiares das vítimas do rompimento da barragem. Taís estava desenvolvendo seu projeto de conclusão do curso de Psicologia, com foco no luto e na dor vivenciados pelos familiares das vítimas da tragédia-crime. Durante essas entrevistas, Flavinha Wasa ficou profundamente comovida com as histórias e depoimentos dos familiares. Esta experiência gerou nela o desejo de partilhar estas histórias com um público mais vasto e transformá-las numa peça de teatro, num projeto artístico. Sua intenção era que mais pessoas pudessem conhecer essas histórias e conhecer a luta dessas famílias em busca de justiça e reparação. O processo de criação do projeto cultural iniciou-se após a obtenção da resposta afirmativa de cada membro das famílias para utilização de seus depoimentos. A próxima etapa envolveu a colaboração de vários profissionais de diferentes áreas. Durante sua formação na SP Escola de Teatro, em São Paulo-SP, Flavinha estabeleceu contato e admiração pelo trabalho da diretora argentina Maria Brighenti, que se tornou peça fundamental do projeto ao aceitar dirigi-lo. Posteriormente, Tati Otaka, atriz e pesquisadora, juntou-se ao projeto, compartilhando a mesma paixão e energia para fazer acontecer. Para completar a primeira etapa de criação e redação, tempo depois, Sandra Devincenzi se juntou à equipe para assumir a produção executiva. Assim, este coletivo cultural foi formado a partir de uma experiência pessoal transformadora e do desejo de dar escuta e visibilidade às histórias das vítimas e de seus familiares através da arte teatral. Cada integrante da equipe traz sua habilidade e paixão para o projeto, com o objetivo de conscientizar e homenagear a memória daqueles que foram afetados pela tragédia-crime do rompimento da barragem em Brumadinho. O projeto "Brumadinho e suas Jóias" vem sendo gestado há mais de quatro anos por esse coletivo, que vem realizando, de forma ininterrupta, inúmeras reuniões, investigações criativas e ensaios, para a pré-produção de um espetáculo teatral. A cia se mantém pesquisando constantemente para aprofundar e elaborar a dramaturgia - desde o enredo, a construção dos personagens, os diálogos e possibilidades estéticas das cenas. Também estuda a realidade subjetiva dos familiares das vítimas e busca o entendimento acerca das diversas esferas envolvidas no debate acerca da reparação dos danos materiais e imateriais, além da punição dos responsáveis pela tragédia-crime.

Projeto Celina

La obra teatral reconstruye los días previos al intento de femicidio y los días posteriores, explorando cómo se reconstruye una vida y un cerebro después de un disparo. La narrativa permite una ficcionalización de estos eventos a través de una narradora que, en primera persona, se ve involucrada en el caso y a través de sus pensamientos revela el devenir de Celina. Es una obra teatral con preponderancia en la sonoplastia y el paisaje sonoro de la historia que propone una experiencia sonora inmersiva donde cada espectador escuchará la obra a través de auriculares. Esto permitirá a los espectadores escuchar los pensamientos de la actriz y la sonoridad del espectáculo en primer plano, creando una condición semi-privada y una experiencia auditiva amplificada. El proyecto está basado en el libro “Celina en Tiempos de Sombrero Negro”, una obra autobiográfica documental que relata la historia de una víctima de violencia de género en Buenos Aires, Argentina, en 2007.

Projeto Raimundo

Proyecto de Islas Baleares “Raimundo” es presenta com una proposta teatral que aborda la complexa i universal experiència de la migració a través de la vida del seu protagonista, un immigrant solitari, amb una història particularment fascinant. Aquest personatge, amb el seu bagatge emocional i físic encara per desempacar després d'anys d'emigrar, personifica la lluita interna i externa que enfronten molts immigrants en intentar adaptar-se a un nou entorn mentre mantenen vives les arrels i els records. El caràcter bohemi i romàntic del protagonista afegeix una capa addicional de profunditat a la narrativa,revelant la seua ànima sensible i la cerca constant de significat i connexió en un món que sovint sent aliè i fragmentat. La seua història s'entrellaça amb la del seu avi, un altre nouvingut en el seu moment, però el destí del qual va ser diametralment oposat, cosa que ressalta encara més les complexitats i contradiccions inherents a l'experiència migratòria. Per què la intergeneracionalitat ens sembla tan important per a aquest espectacle? Intergeneracionalitat és un terme que fa referència a la relació entre diferents generacions. Aquesta es presenta de dues maneres. Una, sense cap consciència de les posicions generacionals implicades, i una altra, donant compte d'aquestes posicions i de les diferències i similituds entre les generacions. La intergeneracionalitat es presenta com un element crucial en aquest espectacle per diverses raons. En primer lloc, promou la cohesió social en fomentar la connexió i l'entesa entre persones de diferents edats. Això és especialment rellevant en una societat cada cop més diversa i dinàmica, on la col·laboració intergeneracional pot enriquirles experiències individuals i col·lectives.

El Gran Disparate

Espectáculo solo de Diego Martinez quer nos aproximar de um mundo quimérico, de humor e liberdade. As ilusões de um mágico, músico e palhaço, que continua acreditar na verdade de sua imaginação. Uma figura simpática em um mundo que lhe é estranho, querendo brilhar, sempre brilhar. Um alquimista do riso como espelhos coloridos que valem mais do que ouro. Ficha Técnica: Criação, direção e atuação: Diego Martinez Provocaçoes externas: Maria Brighenti, Matias Arce e Jessica Ferrer Produção: Karina Secco (TocA arT) Sesc Santana Duraçao 60 minutos

KLINK

Una malabarista. Una sala de escape. 45 minutos para descifrar cómo salir de su propia cabeza. ¿Qué sucede cuándo todo se pone muy mental?¿Qué sucede cuándo la ansiedad llega, cuándo no logramos pensar con claridad y sentimos el encierro generado por nosotres mismes? A lo largo de este espectáculo, vamos a recorrer juntes los diferentes estados que esto genera, y las diferentes herramientas y estrategias con las que cuenta la intérprete para lograr salir de su cabeza, siendo éstas representadas por rutinas malabarísticas, humor absurdo y el acompañamiento del público. La intérprete porta muchos slinkies, resortes, en su vestuario, los cuales representan su situación caótica y sus propios enredos. Pero también son los que la alentarán a superarse. ¿Cómo cambiar la mirada y transformar las dificultades en desafíos? Klink busca recrear una sala de escape, dónde los desafíos son planteados por el mismo personaje desde su voz mental, sus pensamientos, o su alter ego y en el que se debe resolver una serie de enigmas y acertijos a contrarreloj. El público observa como la jugadora está encerrada en su propia cabeza, viendo desde afuera la salida que ella, sola, no puede ver. Hasta que ella no entiende eso, y no da lugar a la ayuda de un otre, no podrá salir de sus propias limitaciones. En este espectáculo lo que nos interesó fue investigar dentro de técnicas del malabar aún poco vistas, como manipulación con vasos de agua, y con slinkies. Son estos resortes los que atrapan a Marius en Klink. Ellos simbolizan en muchos momentos el “matete en su cabeza”, sus pensamientos, sus preocupaciones. Y lo que podemos ver es como ella puede enojarse con esto, jugar con esto, transformarse a través de ellos, quedarse atrapada literalmente y hasta desenredarse para buscar ayuda. A lo largo del espectáculo , la intérprete nos invita y nos permite el acceso a su propia cabeza, para mostrarnos de forma gráfica y poética, a través de los malabares y la manipulación de objetos, cómo es esa relación íntima con su propio censor.